Information about the pottery exhibition

第四届当代陶瓷艺术展览作品展示（一） 编者按 第四届“当代陶瓷艺术展览”于2026年4月21日至5月10日在山东美术馆展出。该展览创办于2012年，由中国美协陶瓷艺委会整合全国陶艺学术力量搭建而成，旨在打造高水准的展示交流平台。历届展览不仅佳作纷呈，更系统梳理了中国陶艺事业的发展脉络，挖掘和培育具有当代视野的优秀陶艺人才，催生更多精彩作品，彰显中国文化主体性的审美品格，引领当代创新精神。本届展览得到了全国各艺术院校专业师生、广大陶瓷产区陶艺从业者的广泛关注，尤其来自中国文联、中国美协“青年伙伴计划——陶瓷100”项目的优秀青年创作者也积极参与。在短短一个月的征稿期内，共收到投稿作品1463件。经严格初评与复评，最终评选出入选作品228件，我们将分5期推送与大家分享。 壹 （*作品顺序按作者姓名首字母排序） 《共生 NO.1》 25cm×20cm×12cm 瓷 白娟娟       《流动的痕迹》 58cm×26cm×62cm 综合材料 包伟       《岫》 105cm×15cm×100cm 综合材料 曹煦晨       《墨序系列》 150cm×50cm×60cm 综合材料 曹振江、曹振海       《无形》 105cm×16cm×28cm 陶瓷 曾莉       《丝·垣》 50cm×8cm×40cm 综合材料 曾心蕾       《古籍》 60cm×50cm×25cm 陶瓷 钞子伟、钞子艺      

白明｜青春的陶瓷——“第四届当代陶瓷艺术展览”观察 原创《美术》 2026年7月22日 17:30 北京 作  者：白明 中国美协陶瓷艺委会主任，清华大学美术学院教授 摘  要：“第四届当代陶瓷艺术展览”呈现了中国青年陶艺创作的蓬勃活力。本文认为，展览的核心成就在于三重解放：工艺谱系从规范走向语言；材料边界从天然走向文化转译；烧成意志赋予作品以火的诗学。最终，这一切指向个体意义的解放，即泥、火与人情感的共舞。展览表明，陶瓷艺术正以其与生俱来的自我更新力量，成为一种亲切而朴实的、属于这个时代的“中国·CHINA”艺术表达。 关键词：第四届当代陶瓷艺术展；材料语言；青年陶艺；个体性表达 在人类文明史上，陶瓷是极少数能够贯通物质技术、审美意识、日常生活与精神信仰的综合性艺术门类。它是人类最早的人工合成材料——从泥土中通过水的调和、火的煅烧，使松散的粉末变为坚硬的器物，这一过程本身就是人类智慧对自然物质的最初改造。它也是持续最久、分布最广、变异最丰富的造物实践，从未因时间流逝而被淘汰，反而在每个时代都焕发出新的形态与新的活力。 近年来，中国当代陶瓷艺术呈现出极为多元的创作风貌。这种多元并非风格的游移不定，而是文化交流日益深入后，不同文化脉络依托陶瓷这一古老媒介所自然流露出的独特表达与视觉体验。我们身处信息高速流转、观念不断交锋与融合的时代，这种文化语境渗透进每一位陶艺人的创作全过程，体现在艺术家与文化、环境、黏土、窑火的深度碰撞与多元交汇之中。一大批青年陶艺创作者投身这片古老而充满未知可能的领域，在看似已被前人穷尽的工艺技法与表现形式中另辟蹊径，找到契合自身的艺术表达视角，形成独属于这个时代的创作认知，实现了对个体创作意义的重新诠释、尊重与多元拓展。 2026年4月，由中国美术家协会与山东省文化和旅游厅联合主办的“第四届当代陶瓷艺术展览”从1400余件应征作品中精心遴选出200多件作品入展。作品地域覆盖范围极广，成为本届大展的显著特色之一。许多受过高等专业教育的青年陶艺家成为展览的主体，诸多传统陶瓷产区也打破了创作模式固化、创新乏力的刻板印象，不断涌现出令人惊喜的新颖手法与艺术实践，展现出当代中国陶艺家与时俱进的蓬勃活力。 一、陶瓷工艺谱系的再构：从规范到语言的解放 世界上没有任何一种艺术形式如陶瓷般与人类文明的发展和生活品质息息相关，它提升着我们的审美，对技术有极高要求，也因此受到广泛尊重。 陶瓷艺术的根基在于“工艺”——一系列经由双手与材料反复对话而形成的技术体系。本届展览最直观的成果在于其在工艺层面展现出前所未有的多样性，每一种传统工艺，都在当代创作者的手中获得了全新的生命。 黄山《文明·一带一路》陶瓷 74cm×95cm，57cm×95.5cm 2024年 王莹《不可见者的缺席》紫砂 140cm×10cm×65cm 2026年 丁传国《迁徙—故园》高温颜色釉 40cm×150cm 2025年 刘翔宇《如焰》熏烧陶瓷、石膏 130cm×30cm×35cm 2025年 拉坯是最古老、最核心的成型方式之一。在传统语境中，拉坯服务于圆器的批量生产，讲究规整、对称与效率。而在本届展览中，拉坯作品发生了深刻的“去功能化”转向，旋转在双手的引导下呈现出可自由生长的生命状态，开口容器被封闭成“实体”，光滑表层转向粗犷的肌理，并呈现出褶皱与孔洞；精致的口沿被刻意改变，起伏与波动形成了打破完美与对称的律动；温润细腻的瓷土表面被施加刮削、戳印、叠加等手法，使物象呈现出类似风化、侵蚀或生长的自然痕迹。这些拉坯成型的作品不再承担碗、盘、瓶、罐的日用功能，而成为纯粹的空间塑造——它们容纳的是空气、光影与凝视者的想象。 绞泥工艺（绞胎、揉泥拼色）是另一项被重新激活的传统技艺。其原理是将不同颜色的泥料有秩序地叠合、揉捏、切片或拉坯，使胎体内部形成流动的纹理。传统绞胎多用于制作仿木纹、仿石纹的装饰效果，本届展览中的年轻创作者将这一工艺推向了更抽象、更具表现性的领域：红、黑、白、灰等色泥在作品中交织出类似地质剖面或能量场的视觉图景，纹理由内而外贯穿胎体，使“表面”与“内部”的二元对立消失——作品的气质不再是容器“被装饰”，而是“生成的整体”。 王国栋《新潇湘卧游图》陶、木、竹、铁 150cm×80cm×120cm 2025年 胡森《春和景明》钧釉 150cm×150cm×150cm 2025年 余佳祯《一纸之度》瓷 100cm×50cm×50cm 2025年 捏塑与塑造则是陶瓷雕塑的基础语言。捏塑更贴近手指的直接触感——艺术家从一块泥开始，通过拇指与食指的配合，逐步挤压、提拉、弯折，形态在掌心中生长出来，每一个凹坑与凸起都记录着创作瞬间的力量与情绪。本届展览中的捏塑作品既有小尺度的、近乎把玩件的人物与动物，也有由多个捏塑单元组合而成的大型装置。塑造则更强调体块的加减与结构的推敲，艺术家使用泥条盘筑、泥板粘接、镂空雕琢等方式构建出更为复杂、更具视觉冲击力的全新形态。 展览中的动态陶艺、影像互动、3D打印技术、复杂建模合成、综合材料应用，每一种创作方式的拓展，都是艺术家对传统陶瓷艺术在今天的一次个人化的延伸与再造。拉坯不再是重复，绞泥不再是装饰，捏塑不再是手艺人的生产方式，模具的使用不再是为了一致，它们共同构成了当代陶艺的基本语法，使工艺从“如何做得好”的技术问题，升华为“为什么要这样做”与“技术可以有情感吗”的观念追问。 二、材料的边界与拓展：从天然到文化的转译 材料是陶瓷艺术的第一语言。不同的泥土携带着不同的地质记忆与烧成性格，当代艺术家对材料的选择与混合，已经远远超出了传统“瓷土”“陶土”的二元划分。 支持《好运莲莲》瓷 30cm×30cm×60cm 2025年 黄焕义《卷的形式》瓷、金属材料 75cm×30cm×40cm 2023年 瓷泥以高岭土为代表，因其洁白细腻、烧结致密而成为烧制精致陶瓷的首选。本届展览中的瓷泥作品不再局限于传统的经典样式，而是出现了大量保留手工痕迹、刻意制造裂纹与变形的“不完美”瓷作——艺术家在挑战瓷泥的极限可塑性，将一种以“精致”为传统的材料推向粗粝与偶然，推向天真与自由。这种改变，不是对传统的颠覆，而是在传统基础上的“丰富与叠加”。 陶泥因其可塑性高、烧结温度较低、质感朴拙而受到许多创作者的偏爱。紫砂的深沉含蓄适合塑造富有文人气的雕塑，黑陶的墨色质感在哑光与亮光之间可以产生丰富的灰度层次，粗陶烧成后表面粗糙，直接呈现出一种“大地的温朴”。青泥之灰更是农耕生命气息的直接体现。本次展览似乎成了中国陶艺人得天独厚的陶土资源的一次集中汇聚与展示。 杜沁芬《微观融合（融枢、圆融）》陶、紫砂、泥 100cm×60cm×93cm 2025年 巩丽阳《果炻》绞胎陶瓷 130cm×45cm×65cm 2025年 纸浆泥的广泛使用是本届展览的一大亮点。纸浆泥是在陶泥或瓷泥中掺入纸纤维（宣纸、报纸或木浆）后混合而成的材料。纸纤维在干燥过程中形成微孔网络，使坯体重量大幅减轻，同时保留了良好的可塑性。烧成后，纸纤维燃尽留下大量微细孔隙，使作品呈现类似海绵或浮岩的质感，透气性极佳。纸浆泥的引入使得大尺寸空心作品得以实现而不过于笨重，也使那些追求“轻盈感”的形体表达成为可能。 黑陶同样在本次展览中焕发新生。黑陶源于新石器时代龙山文化的蛋壳黑陶，其薄如蛋壳、漆黑发亮的工艺曾经失传数千年。当代创作者在黑陶制作中不仅恢复了传统技法，更将其与刮削、打磨、镶嵌等现代手法结合，创造出既有远古气息又具当代感的作品。 欧阳普龙《春暖花开》红陶 38cm×35cm×58cm 2025年 金亮 佟济宏《环璧玲珑》瓷、改性环氧树脂、镜面不锈钢 125cm×35cm×125cm 2025年 综合材料在陶艺创作上也富有成效。艺术家将陶瓷与金属、木材、玻璃、纤维、油漆、现成品等并置或复合，使陶瓷不再是孤立的媒材，而成为跨媒介叙事中的主要声部。更有创作者直接将纤维织物、海绵、高温膨胀材料等蘸泥浆后入窑烧成，使作品具有超写实的乱真效果。材料与反材料成为问题与答案。